Cuando César Antonio Molina, anterior Ministro de Cultura, cambió el nombre de la antigua Dirección General de Cooperación y Promoción Cultural por el de “Dirección General de Política e Industrias Culturales”, nadie podía imaginar que esto se manifestara en la convocatoria de las ayudas de esta Dirección de una forma tan perjudicial para la música y tan beneficiosa para el sector del libro y la literatura.

Respetando los posibles recortes presupuestarios que imponía la crisis, la comparativa entre la convocatoria 2008 de la antigua Dirección y la de 2009 de Políticas e Industrias Culturales refleja, en primer lugar, un desprecio absoluto por la Formación de Profesionales de la Cultura.

Entre los grandes perjudicados de estas ayudas a profesionales de la cultura se encuentran nuestros jóvenes intérpretes: se venían concediendo un total de 55 ayudas anuales para la for­mación en el extranjero de jóvenes profesionales de la música. La dotación era de 246.900 euros. Según nuestras fuentes, este año la cantidad asignada para estas ayudas se ha quedado en 116.068 euros… y gracias, ya que el total para todas las especialidades y no sólo la música ha sido 340.000 euros en lugar del 1.500.000 de la convocatoria 2008, como puede verse en el siguiente cuadro:

Pero el mayor agravio sufrido por la música ha sido en la división del presupuesto de las antiguas Ayudas de Acción y Promoción cultural (ver cuadro superior) en dos ayudas: la propiamente dicha de Acción y Promoción (destinada este año en exclusiva a Fundaciones y Asociaciones) y la de “Ayudas a la inversión en capital para promover la modernización, innovación y adaptación tecnológica de las industrias culturales”, convocadas por primera vez.

El 7 de mayo, cuando toda la prensa anunciaba el relevo inminente de Juan Carlos Marset como Director General del Inaem, la Dirección General de Política e Industrias culturales hizo públicas las propuestas de “Ayudas a la inversión en capital para promover la modernización, innovación y adaptación tecnológica de las industrias culturales. No sabemos si fue pura coincidencia o tiene algo que ver con aquello de que “cuando veas las barbas de tu vecino pelar…”, el caso es que la desproporción entre unas y otras áreas de la cultura en esas propuestas era tan descabellada que no se podía dejar de pensar mal: aquello eran ¿buenas o malas prácticas? Estos son los datos y juzguen ustedes mismos:

Propuestas de ayudas para la música:

Propuestas de ayudas por sectores:

¿Qué poderosas razones han podido llevar a Anselmo de la Campa, director del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, a expulsar a uno de sus alumnos más brillantes?, ¿por qué se echa fulminantemente a la calle a quien pone voz a lo que hasta ahora muchos alumnos no se atrevían a denunciar?, ¿por qué el director del Conservatorio se ha arriesgado a ejecutar unilateralmente una expulsión en condiciones más que irregulares?

Hace unos meses, David Santacecilia mantuvo una  acalorada discusión en el Conservatorio con la compositora y profesora Zulema de la Cruz por sus reiteradas ausencias de clase. Ambas partes, alumno y docente, elevaron en exceso el tono de la conversación: él acusándola de dejación de sus tareas, ella presentando retadoramente todo tipo de excusas peregrinas ante una situación que lleva produciéndose  años. A partir de ese momento, y con el fin de desviar la atención sobre su irregular comportamiento laboral, Zulema de la Cruz corre el rumor de que ha habido una agresión que no ha existido, tal y como queda reflejado por escrito por parte de testigos que presenciaron aquella escena. David Santacecilia, por su parte, presenta el 9 de marzo de 2009 ante las  diversas autoridades educativas una queja contra Zulema de la Cruz relativa al incumplimiento de sus obligaciones laborales como profesora, a raíz de la cual se inicia un expediente informativo. Finalmente, el pasado jueves 7 de mayo, David recibió de manos  de un compañero del centro una resolución disciplinaria del director que le informaba de su “expulsión definitiva del centro” alegando un “trato desconsiderado e irrespetuoso a la profesora doña Zulema de la Cruz Castillejo”.

¿Desde cuándo se hace entrega de este tipo de documentos sin constatar que el destinatario los ha recibido? ¿Por qué condiciona don Anselmo de la Campa esta expulsión a una petición de disculpas de David cuando se ha negado a recibirle en su despacho reiteradamente para escuchar su versión de los hechos? ¿Cómo no se indica en esta resolución si se puede o no recurrir, y la manera y los plazos previstos para hacerlo? ¿Por qué en esta resolución, tal y como se establece en el Decreto 15/2007 de 19 de abril por el que se regula la convivencia en los centros docentes de la Comunidad de Madrid, no se indican detalladamente los hechos  que se imputan al alumno, las circunstancias atenuantes y agravantes, los fundamentos jurídicos de la sanción impuesta, su fecha de efecto y el órgano ante el que cabe interponer recurso?

Todos estos  gravísimos defectos de forma han dejado a David Santacecilia en una peligrosa situación de indefensión a poco más de un mes de que concluya un curso en el que obtendría la titulación en dos especialidades. Si de verdad ha tenido un comportamiento irrespetuoso, ¿no era al menos merecedor de un proceso en el que estuvieran implicados los organismos con capacidad decisoria del centro? ¿No será esta expulsión una represalia a David por denunciar los hechos que hasta ahora sólo se cuchicheaban por los pasillos? Las respuestas que surgen ante estas cuestiones no hay que buscarlas en el alumno que ha ejercido su derecho a reclamar educación para él y sus compañeros, sino en las autoridades educativas que han hecho la vista gorda durante años ante escandalosas ausencias, bajas sospechosas y docentes que consideran el Conservatorio como su feudo. ¿Las víctimas?  En este caso es David Santacecilia, pero durante mucho tiempo lo han sido los alumnos del propio centro, y en última instancia, lo es la calidad de la enseñanza musical en España.

La necrológica, sentida nota de Jorge Fernández Guerra (Director del Centro para la Difusión de la Música Contempoánea, cofundador de la revista Doce Notas) publicada en “la noticia” de docenotas.com, continúa en este texto que publicamos a continuación. Sirva este post para rendirle homenaje a la amiga y pedagoga que se nos fue ayer.

“…En los últimos doce años, Elisa Roche mantuvo su batalla por la modernización de la formación musical en varios modos, y uno de los más importantes fueron sus trascendentales artículos en esta revista, Doce Notas, que atesora una memoria decisiva del debate de estos años pasados y, de manera especial, de la extraordinaria lucidez y capacidad de análisis de Elisa Roche. Se ha ido, pues, además de todo lo dicho, una compañera de esta revista y una amiga impagable. Un antiguo alumno suyo, en una Laudatio merecidísima, decía que ‘resultaba difícil encontrar su rastro [más allá de] revistas un tanto underground, como 12 Notas…’ ¡Curioso! Aún recuerdo el célebre número 4 de Doce Notas, donde nos tirábamos al campo de batalla para defender lo que nadie quiso tras la lastimosa destitución del mejor equipo de reformadores de la educación musical en España en todo el siglo XX. Allí estaba, también, el testimonio de otra valiente que dijo lo que todos callaban y que también nos ha dejado, la pianista y pedagoga Almudena Cano (ver artículo). Como primer director de Doce Notas me siento orgulloso de aquellos años de coraje, defendiendo lo evidente prácticamente en solitario, y sonreiría gustoso ante la memez de merecer el calificativo de ‘underground’ por ello si no fuera por la enormidad de la pena que me embarga, que nos embarga a todos los que amamos la música ante esta desaparición. Sin duda, el siglo XXI no ha cesado de mostrarnos los peores colores sin haber llegado a cumplir su primera decena.
Descansa, Elisa, en paz, por supuesto, te lo has ganado de sobra. Seguiremos, según tu ejemplo, edificando la coherencia y la sensatez en la educación musical de nuestro país.”

La actual representación de la ópera The Rake’s progress, de Stravinsky, en el Teatro Real de Madrid ha tenido, entre otras cosas, una curiosa incidencia en un aspecto en el que pocos suelen reparar, la ortografía del nombre del gran compositor. ¿Stravinsky o Stravinski? No es un debate nuevo, de hecho lo vivimos cotidianamente con la traducción de todos los nombres de personalidades rusas. En efecto, la traducción del cirílico implica una transliteración que cada país (con alfabeto latino) resuelve según la proximidad fonética de su idioma y la coherencia de sus signos ortográficos. Así, por ejemplo, los ingleses escriben Tchaikovsky y los franceses Tschaikovsky para producir los sonidos que en español producimos simplemente con Chaikovski.

Pero el caso de Stravinsky tiene otro historial. El autor de La consagración de la Primavera vivió fuera de Rusia desde la Iª Guerra Mundial y adquirió primero la nacionalidad francesa a mediados de los años treinta y, finalmente, la americana a mediados de los años cuarenta. Es posible encontrarse con su nombre escrito como Strawinsky, Strawinski y, por supuesto, las dos variables con uve. Normalmente, cuando aparece así su nombre los especialistas detectan que se trata de escritos anteriores a la IIª Guerra Mundial, al menos en su origen.

Ahora bien, una vez producida la nacionalización definitiva del compositor en Estados Unidos, en cuyo país vivió hasta el año de su muerte en 1971, la controversia debe desaparecer, el músico optó por Stravinsky y ningún debate sobre la mejor traducción o transliteración a cada idioma debe anteponerse a un hecho biográfico definitivo. De hecho, la gran mayoría de la bibliografía sobre el músico aparece ya con la grafía que el propio autor consagró con su elección.

El debate, si lo hay, ha surgido a raíz de las representaciones madrileñas de su principal y casi única ópera. El Teatro Real ha decidido sancionar que el nombre debe escribirse con i latina al final contra el criterio general y la decisión particular del músico. Para ello se basa en una consulta a la Real Academia de la Lengua Española, según hace constar en una nota a pie de página en el texto principal del libro programa editado a tal efecto. Pero lo más curioso y sorprendente es que la gran mayoría de los medios de comunicación le han seguido y los principales diarios madrileños han publicado sus críticas y sus reseñas con la i latina.

Puesto que discrepamos de esta decisión, hemos realizado una consulta a la Biblioteca Nacional que resuelve como opción correcta la de la y griega. Consideramos que la Biblioteca Nacional está mejor capacitada para argumentar sobre esto, ya que no se trata de un problema de traducción del ruso (la grafía Stravinsky dejó de ser rusa por decisión del compositor y se ha convertido en inglesa, y está claro que nadie traduce las grafías inglesas, nadie escribe “Yon Güein” para designar a John Wayne). Y de paso nos preguntamos por la epidemia de teatro-realismo que ha aquejado a los medios de comunicación que raras veces habían escrito  Stravinsk(i) con anterioridad. En fin, y para que conste, publicamos la respuesta de la Biblioteca Nacional a nuestra consulta para que no queden dudas.

—–Mensaje original—–
De: bib@bne.es [mailto:bib@bne.es]
Enviado el: miércoles, 14 de enero de 2009 13:06
Asunto: Consulta bibliotecaria – Responder [Consulta #4103545]

Historia de la consulta:
Usuario: necesito saber si es correcto escribir Stravinsky con y griega en lugar de i latina al final.

Bibliotecario 1: Estimado Sr.

Le comunico que hemos consultado los más importantes Diccionarios de música y consultado nuestra base de datos y hemos llegado a la conclusión que la forma correcta de escribir Stravinsky es con y griega. En las bases de datos se suele hacer dos entradas más con i latina o ii finales haciendo una referencia a la forma correcta.

Atentamente
José María Soto de Lanuza

Gracias por utilizar el servicio PREGÚNTENOS

Con la tinta todavía caliente en nuestro último número de Día a día (nº 4, octubre-noviembre), y con el eco resonando de la advertencia que lanzábamos en el editorial sobre los posibles recortes presupuestarios en Cultura, acaba de llegar al Parlamento el proyecto de Presupuestos para 2009. Y no fallábamos, Cultura es uno de los más atacados junto con Ciencia e Innovación, (-5,1 %), Sanidad y Consumo (-4,6 %) y Defensa (-3 %); el corte a Cultura es de -2,7 %. Sabíamos que iban a ser unos presupuestos restrictivos y también que las prioridades del Gobierno eran las partidas sociales y las de infraestructuras. Normal. Tampoco hay que fijarse sólo en los porcentajes, no es lo mismo -2,7 % sobre 814,55 millones de euros (Cultura) que -5,1 % sobre 3.420,27 millones de euros (Ciencia e Innovación), o -3 % sobre 8.237,93 millones de euros (Defensa). Tampoco vamos a entrar en partidas que no bajan, como son las de la justicia o las territoriales, todo tendrá su razón de ser seguramente. Pero, como decíamos en el editorial, el corte en Cultura es el chocolate del loro sobre esos 141.413 millones de euros del gasto del Estado; pero para el sector es algo muy serio.

Los portavoces del Gobierno se han apresurado a decir que Cultura o Sanidad son los ministerios más descentralizados a modo de justificación. Pero también lo estaban el año pasado y los anteriores y las cantidades estaban bien justificadas, así que menos lobos. El problema es que parece que la cultura es un pompón para nuestros responsables políticos. Y lo peor es que aquí no hay diferencias en todo al arco político español (ni en Gobierno Central ni en Comunidades Autónomas). Nadie va a defender en el Parlamento (ni una triste voz minoritaria del Grupo Mixto) que la cultura no es ese adorno que llega lo último y se va lo primero. Nos corresponde, pues, a nosotros, los que sabemos que un país sin cultura se convierte en esa cosa perfectamente “odiable” a la que se refiere Sánchez Ferlosio; o peor aún, un ente manipulable y frágil. Hay que gritar que, además de una actividad del espíritu imprescindible, es también soporte de sectores económicos y empresariales, ¿o se nos olvida lo que hay detrás del cine, la literatura, las artes plásticas, la música o la inversión en infraestructuras?

Señalemos, además, que ese recorte terminará siendo asimétrico, ya que el sufrido, y tan cacareadamente proclamado como el más descentralizado, Ministerio de Cultura deberá atender a Museos Nacionales, Patrimonio, inversiones de infraestructuras que ya puedan estar en marcha; todo ello aparte de regar el huerto de atender a las profesiones culturales. Y a algunas de estas partidas no se les podrá recortar, al menos sensiblemente, así que ya sabemos lo que les espera a las demás…, y a todos, ya se sabe, a la tele a ver el fútbol hasta que pase la crisis, la postcrisis, el síndrome de lo mal que acabamos de pasarlo, la desidia por tener aún las neuronas apalancadas y el largo tramo de poner en marcha una maquinaria cultural que cuando arranque de nuevo quizá estemos en la siguiente crisis. ¿Es eso lo que quieren esas cabezas pensantes del Gobierno para las que lo social es lo primero y la cultura, lo último, como si una cosa y la otra no se fundiesen las más de las veces? ¿Es eso a lo que tenemos que resignarnos los que comemos y bebemos cultura y la preferimos a unas tapas, una cervecita o una copa por la noche?

No es lo mismo restringir que destruir; se puede ahorrar inteligentemente, pero hay que escuchar a los profesionales de la cultura porque el hacha del poderoso nunca sabe donde cae y en España el tronco de la cultura es muy pequeñito.

¿Y tú cómo lo ves?

El 1 de septiembre desaparece de la emisión La noche cromática, el magazín en directo que llevaba casi cuatro años en la franja de 10 a 12 de la noche en Radio Clásica. También se van de la programación sus animadores: el compositor Jacobo Durán-Loriga y la musicóloga María Santacecilia. En su despedida, parece estar quedando claro que esta emisión había conseguido captar a un público que se había hecho cómplice del programa. También parece claro que la fórmula había conseguido notables éxitos y que deja un hueco difícil de llenar. Con esta sustitución, La noche cromática se convierte, de momento, en la principal víctima de la cadena de cambios que afronta la casa, primero, la purga brutal de sus mejores profesionales a cargo del plan de reconversión del Ente Radio Televisión Española; segundo, el cambio de dirección de la emisora, que ahora está en manos de Fernando Palacios.
La noche cromática había conseguido que la actualidad de la música clásica fuera de interés para un auditor al que se le supone que sólo quiere música y aborrece la palabra hablada. Y ese mérito, bastante más difícil de lo que parece, le corresponde a sus dos conductores y productores, así que tirar al niño con el agua de la palangana, dicho en plata, desprenderse de los servicios de dos excelentes profesionales ahora que se han hecho raros en la nueva y menguada Radio Clásica requeriría al menos una explicación. En todo caso, La noche cromática había consolidado un nutrido grupo de amigos y seguidores de la emisión, por lo que su sustitución va a necesitar suerte y benevolencia.
La vida sigue, pero no podemos dejar de hacer notar que hay un poco de crueldad en esta drástica decisión. Que el tiempo se encargue de poner en su sitio a cada uno en este trance, y mucha suerte a Jacobo y a María. Se han merecido mucho más que estos buenos deseos, pero al menos que éstos no le falten.

El pasado 16 de junio, un artículo se coló en la sección Educación del diario El País. En él, la periodista Elisa Silió hace un repaso del “estado de la cuestión” en lo que respecta a la enseñanza musical de las llamadas “cuerdas altas”: el artículo parte comentando que, en violín y viola, las orquestas españolas se sustentan con profesionales extranjeros -cosa que se constata leyendo la prensa especializada extranjera-. Sin cambiar de párrafo, dice “la presencia de este tipo de instrumentistas nacionales en las sinfónicas es casi simbólica. Tres o cuatro personas de un total de 40 tocando estos dos instrumentos”. El dato está dado muy a la ligera. Hemos hecho una somera comprobación con algunas de nuestras orquestas autonómicas. La proporción se cumple, por ejemplo, en la Orquesta Nacional de Galicia, donde sólo hay 4 españoles entre los violines segundos. En la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, estamos hablando de 7 violines y 3 violas. En la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, contamos 18 músicos españoles, un tercio de la cuerda alta.

Pero aquí nos saltamos a la torera algo fundamental. Las orquestas autonómicas se crearon en los últimos veinte años: diecisiete orquestas casi coetáneas que debieron nutrirse de muchos músicos extranjeros. Como bien nos apunta el gerente de la orquesta castellano-leonesa, la gran mayoría de “los demás” violinistas y violas ya no son extranjeros. Llevan en nuestro país, tocando y formando a otros músicos en el sistema “obsoleto” de los conservatorios, esos veinticinco años que se caracterizan por la reforma en profundidad de los planes de estudio. Las nuevas generaciones, las que ya pueblan las jóvenes orquestas de todo el país, saben de lo que hablamos.

Volvamos al texto. Se da la voz y la palabra a una serie de expertos, entre ellos el contrabajista Miguel Rodrígañez, y también el músico y profesor Juan Krakenberger, de quien citan algunas de las ideas que expresaba en la opinión (publicada en Doce Notas en el número 60). “Desde un prisma mucho más optimista”, también dejan hablar al director de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), José Luis Turina. Él es optimista, pero los anteriores citados no son pesimistas. El maestro Turina tiene datos. Nosotros, sólo por apuntar, tenemos la actuación que les pudimos ver la noche del 30 de junio a los jóvenes, en el último concierto de temporada del CDMC, en el que Noche transfigurada (sólo cuerdas) de Arnold Schoenberg sonó como los cielos.

Mucha sombra y poca luz. Llegar a una orquesta es complicado, estudiando en los conservatorios o en las escuelas privadas. Nos preguntamos cómo se han sentido los muchos alumnos de conservatorio que siguen actualmente estas disciplinas, cuando les han pintado semejante panorama desde un medio nacional. Las voces de los “expertos” no están muy bien repartidas y las posiciones del medio quedan dichas en las tres primeras frases -donde, sabemos, se quedará el 80 o 90 por ciento de los lectores-: “las cuerdas altas desafinan”. A decir verdad, es la información la que “chirría”.

En último término, ¿a quién está beneficiando esta pintura expresionista, desoladora y  profundamente negativa?

El ciclo Operadhoy de este año ha presentado, hasta el momento, dos producciones germanas: Das Mädchen mit den Schewefelhözen (La cerillera), de Helmut Lachenmann, y Work Nourishment Lodging (Trabajo alojamiento manutención), de Enno Poppe. Se trata de dos trabajos de sendas generaciones muy distintas y marcados ambos por una magistral concepción musical, cada uno a su modo. Sin embargo, ambas “óperas” han planteado agudamente el problema de lo que puede o debe ser una ópera de nuestros días. La cerillera apenas se define como ópera y se habla de “música en imágenes”, en rigor se trata de poner en tensión todo el mundo expresivo e intelectual de un glorioso veterano, como es Lachenmann, y evaluar cómo puede plantearse una puesta en escena del sonido mismo. De hecho, la versión madrileña era concertística.

En cuanto a la del joven Poppe, se trata de un trabajo escénico realizado a partir de un texto de Marcel Meyer según las peripecias de Robinson Crusoe. Este trabajo escénico ha fascinado técnicamente, gracias a la prestación de los músicos de musikFabrik y a las voces de Neue Vocalsolisten de Stuttgart; pero ha dejado muchas interrogaciones sobre lo que una ópera puede soportar: texto excesivamente “deconstruido” hasta el punto de parecer una suerte de escritura automática surrealista (heredada de un Beckett, ¡con lo que ha llovido!), duración excesiva para un espectáculo tan abstracto y esa suerte de impresión que emana de las producciones alemanas: técnica prodigiosa puesta al servicio de unos contenidos confusos que no superan la estética de la postguerra, a saber: no se puede contar una historia, no se puede narrar, no se puede construir sentido, no se puede cantar, en suma, no se puede hacer ópera.

El 21 de junio de 1982 se presentó por primera vez la Fiesta de la música (o Fête de la musique), iniciativa tomada por Jack Lang, Ministro de Cultura de la época en Francia. La propuesta estaba marcada por un afán de vertebración cultural que los años posteriores han ido debilitando. Se trataba (y aún se trata) de proporcionar un marco flexible de actuaciones que recogiera el contenido cultural, educativo e integrador de la música. Cada año se proponen unos temas, habitualmente tres (siempre lo suficientemente generales como para que cada ciudad pueda programar cómodamente) y existe una marca, un logo, que integra las acciones de la Fiesta y que las Embajadas de Francia están deseosos de proporcionar.

Francia comenzó a exportar La “Fiesta de la música” en 1985, con motivo del Año Europeo de la Música, siendo hoy día la única denominación utilizada, tanto en Europa como en otros continentes.

En España, y en Madrid en particular, no se sabe cómo ni cuándo, la Fiesta comenzó a llamarse Día europeo de la música y la confusión se ha integrado en los hábitos de modo exponencial, pero, eso sí, no sin consecuencias. El Día europeo de la música adolece de varios fraudes; para empezar, la Fiesta de la música no era europea, era (y es) mundial; en segundo lugar, el Día europeo de la música no se encomienda a nada ni a nadie, su contenido no va más allá que el del Día de la madre o el de la banderita. Por supuesto, el susodicho Día europeo no se acoge a los temas de la Fête ni a ninguno. Es ideal, por tanto, para que una conocida marca de alcohol monte una serie de conciertos y sortee la prohibición de anunciarse; o que un conocido gran almacén organice algún concierto a la puerta de su tienda.

La Fiesta de la música ha estado organizada en Madrid por Doce Notas durante cinco años (2002-2006), patrocinada por instituciones públicas y acogida por el Círculo de Bellas Artes, que continúa su mismo espíritu y se mantiene fiel a esta denominación. Pero el desgaste constante de instituciones oportunistas (da lo mismo que se llamen Ayuntamiento, FNAC o una revista musical de la competencia) terminó por llevarnos a la conclusión de que había mejores batallas que librar. Una vez ya sin competencia, el absurdo Día europeo de la música ahora campa por sus respetos. El Ayuntamiento de Madrid, con su soberbia habitual, convirtió el 21 de junio en una ensalada propia de actos musicales de diverso pelaje bajo el resbaladizo epíteto de Día europeo de la música. La marca de cervezas sigue poniendo su nombre por toda España a cualquier concierto de los varios que hace (de rock, por supuesto); Radio Clásica, pionera en la divulgación del Día europeo de la música y del entuerto, se veía obligada a decir el año pasado que tal Día europeo era esa cosa que inventó Jack Lang (aunque sin reconocer que no se llamaba así), contribuyendo al caos de denominaciones. Y el último acto de la comedia llega ahora, cuando el mismísimo Ministerio de Cultura, siempre falto de memoria, introduce el engendro en su programa de celebración del Año Europeo del Diálogo Intercultural, tema, por cierto, que forma parte de la terna elegida por la Fête de la musique 2008. Como corolario, el Auditorio Nacional de Música de Madrid ha bañado de carteles toda la ciudad anunciando su Día europeo de la música como el “de todas las músicas”, omitiendo la existencia del Año Europeo del Diálogo Intercultural, e ignorando así el compromiso adquirido por el Ministerio de Cultura para su divulgación en nuestro país.

En resumen, la Fiesta de la música es una iniciativa concreta con un temario internacional al que se acogen las ciudades (nunca los países), y que busca dotar a lo que se sigue queriendo que sea una fiesta de una urdimbre cultural: formación musical, educación, protagonismo del sector profesional, reconocimiento de la práctica amateur, coexistencia de los diversos géneros de la música, y desde luego, siempre música. Por el contrario, el Día europeo es una degeneración puramente española cuya característica es que no tiene contenido, vale lo mismo un roto que un descosido.

Pero no todo son males madrileños. En Barcelona, sin ir más lejos, la Fiesta de la música ha sido acogida por el Ayuntamiento y organizada por una empresa privada durante un buen número de años, y como parece que la cosa no cuajaba o era difícil competir con fabricantes de cerveza, este año se convierte en la primera Festa Major de la Cultura Tradicional a Catalunya. ¡Viva el cosmopolitismo!

Es tanta la inercia en este asunto que algunos Institutos y Alianzas francesas en España han claudicado este año –por aquello del Bicentenario de la Guerra de la Independencia, quizá– y en sus carteles anuncian la fiesta como el Día de la Música, sin lo de europeo al menos.

En fin, si siguiéramos el mismo ejemplo no necesitaríamos que nos concedieran unos Juegos Olímpicos, bastaría con organizar unas carreras de sacos y unas partidas de ping pong en esas recuperadas riberas del Manzanares, las llamábamos Día internacional del deporte y ya está. ¿Da risa?, pues en la música no, por lo visto.

Y tú, ¿qué opinas?